Enrique Delfín

El día de hoy (24 de enero) se dieron a conocer las nominaciones al premio Oscar. A continuación, las nominadas en la categoría de MEJOR PELÍCULA (entre paréntesis, el número total de sus postulaciones en diferentes categorías):

LA INVENCIÓN DE HUGO CABRET ( 11 ).
EL ARTISTA ( 10 )
EL JUEGO DE LA FORTUNA ( 6 )
CABALLO DE GUERRA ( 6 )
LOS DESCENDIENTES ( 5 )
MEDIANOCHE EN PARÍS ( 4 )
HISTORIAS CRUZADAS ( 4 )
EL ÁRBOL DE LA VIDA ( 3 )
EXTREMELY LOUD AND INCREDIBLY CLOSE ( 2 )

LAS FAVORITAS. Hace un par de años a la Academia se le ocurrió aumentar de cinco a diez (en esta ocasión, nueve) su número de nominadas a MEJOR PELÍCULA, pero desde entonces quedó claro que la mayoría de las postuladas estarían más bien de adorno y relleno, con nulas posibilidades, pero recibiendo publicidad gratis durante la ceremonia y sus prolegómenos. Casi siempre (y este año seguro no será la excepción), las cintas que realmente tienen chances de ganar, de entrada, tienen que estar nominadas también en la categoría de Mejor Director, y de estas cinco suelen ser sólo dos o tres las que compiten en serio por el premio mayor.

Esta vez, si atendemos al número de nominaciones, parece que LA INVENCIÓN DE HUGO CABRET, de Martin Scorsese, y EL ARTISTA, de Michel Hazanavicius, parten como las grandes favoritas, con 11 y 10 postulaciones, respectivamente. Sin embargo, no hay que descartar a LOS DESCENDIENTES, de Alexander Payne, que acaba de ganar el Globo de Oro a la mejor película de drama y el reconocimiento de la Asociación de Críticos de Los Ángeles. Con todo, la que aparentemente parte en caballo de hacienda es EL ARTISTA, ganadora del Globo de Oro a mejor película de comedia, el Critics Choice Award, el reconocimiento de tres influyentes asociaciones de críticos (Nueva York, Washington y Boston) y del gremio de los productores, más lo que -como en el Melate- se acumule esta semana.

LAS SORPRESAS. En esta ocasión, muy pocas. Sobresale la postulación a Mejor Película y Mejor Director de MEDIANOCHE EN PARÍS, de Woody Allen, para nada la mejor cinta del neurótico realizador neoyorkino, pero a la que su notable éxito en taquilla le dio un empujoncito para entrar en liza, aunque con escasas posibilidades. Y para México, dos gratas sorpresas: la nominación de DEMIÁN BICHIR en la importantísima categoría de Mejor Actor, por su trabajo en UNA MEJOR VIDA, y una nueva postulación para el brillante cinefotógrafo EMMANUEL LUBEZKI, por EL ÁRBOL DE LA VIDA.

LOS APESTADOS. Esta categoría siempre resulta muy nutrida, porque la Academia es especialista en ignorar logros indiscutibles. Este año no consideró en la categoría principal a DRIVE, un brillante filme de acción, y ningunearon varias sobresalientes actuaciones que habían obtenido nominaciones y hasta premios en otras entregas de reconocimientos: RYAN GOSLING (Drive), MICHAEL FASSBENDER (Shame), TILDA SWINTON (Tenemos que hablar de Kevin), y LEONARDO DI CAPRIO (J. Edgar).

La entrega de los premios Oscar tendrá lugar el próximo 26 de febrero. En próximas entregas de CINEMBARGO haré algunas predicciones sobre las categorías principales.

NOMINACIONES

MEJOR DIRECCIÓN

Woody Allen (Medianoche en París)
Michel Hazanavicius (El Artista)
Terrence Malick (El Árbol de la Vida)
Alexander Payne (Los Descendientes)
Martin Scorsese (La Invención de Hugo Cabret)

MEJOR ACTOR
DEMIÁN BICHIR (Una Mejor Vida)
George Clooney (Los Descendientes)
Jean Dujardin (El Artista)
Gary Oldman (El Topo)
Brad Pitt (El Juego de la Fortuna)

MEJOR ACTRIZ
Glenn Close (Albert Nobbs)
Viola Davis (Historias Cruzadas)
Rooney Mara (La Chica del Dragón Tatuado)
Meryl Streep (La Dama de Hierro)
Michelle Williams (Mi Semana con Marilyn)

MEJOR ACTOR DE REPARTO
Kenneth Branagh (Mi Semana con Marilyn)
Jonah Hill (El Juego de la Fortuna)
Nick Nolte (La Última Pelea)
Christopher Plummer (Beginners)
Max von Sydow (Extremely Loud and Incredibly Close)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Bérénice Bejo (El Artista)
Jessica Chastain (Historias Cruzadas)
Melissa McCarthy (Damas en Guerra)
Janet McTeer (Albert Nobbs)
Octavia Spencer (Historias Cruzadas)

MEJOR GUIÓN ORIGINAL
El Artista
Damas en Guerra
Margin Call
Medianoche en París
Una Separación

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
Los Descendientes
La Invención de Hugo Cabret
Los Idus de Marzo
El Juego de la Fortuna
El Topo

MEJOR PELÍCULA ANIMADA
Vida de gato
Chico y Rita
Kung Fu Panda 2
El Gato con Botas
Rango

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
Rundskop (Bélgica)
Hearat Shulayim (Israel)
En la oscuridad (Polonia)
Monsieur Lazhar (Canadá)
Una separación (Irán)

MEJOR FOTOGRAFÍA
El Artista
La Chica del Dragón Tatuado
La Invención de Hugo Cabret
El Árbol de la Vida (EMMANUEL LUBEZKI)
Caballo de Guerra

MEJOR EDICIÓN
El Artista
Los Descendientes
La Chica del Dragón Tatuado
La Invención de Hugo Cabret
El Juego de la Fortuna

MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE
El Artista
Harry Potter y las Reliquias de la Muerte 2
La Invención de Hugo Cabret
Medianoche en París
Caballo de Guerra

MEJOR VESTUARIO
Anónimo
En Artista
La Invención de Hugo Cabret
Jane Eyre
W.E.

MEJOR MAQUILLAJE
Albert Nobbs
Harry Potter y las Reliquias de la Muerte 2
La Dama de Hierro

MEJOR MÚSICA
Las Aventuras de Tin Tin
El Artista
La Invención de Hugo Cabret
El Topo
Caballo de Guerra

MEJOR CANCIÓN
Los Muppets
Río

MEJOR MEZCLA DE SONIDO
La Chica con el Dragón Tatuado
La Invención de Hugo Cabret
El Juego de la Fortuna
Transformers: El Lado Oscuro de la Luna
Caballo de Guerra

MEJOR SONIDO
Drive
La Chica con el Dragón Tatuado
La Invención de Hugo Cabret
Transformers: El Lado Oscuro de la Luna
Caballo de Guerra

MEJORES EFECTOS VISUALES
Harry Potter y las Reliquias de la Muerte 2
La Invención de Hugo Cabret
Real Steel
El Planeta de los Simios (R)evolución
Transformers: El Lado Oscuro de la Luna

Enrique Delfín

Pedro Almodóvar vuelve a la cartelera poblana con su largometraje número 18 y con las mismas grandes expectativas que suele despertar en el público cualquiera de sus estrenos. En esta ocasión se trata de La piel que habito, una historia dictada por varias de las obsesiones del cineasta manchego: la pasión enfermiza y desbordada, las deudas del pasado y la ambigüedad sexual, esta vez aderezadas con un inusual toque de terror.

Al igual que a sus últimas cintas, en las que el director ha demostrado la maestría técnica y narrativa desarrollada a lo largo de más de treinta años, poco es lo que puede reprochársele a La piel que habito en materia formal. El estilo almodovariano se ha ido depurando de un kitsch desatado a una puesta en escena con menos elementos visuales pero más refinamiento estético, y estructuras narrativas cada vez más complejas.

Pero no todo son cualidades. Almodóvar tiene la tendencia de volver a visitar territorios argumentales ya explorados en sus filmes previos, sin ofrecer puntos de vista verdaderamente renovados. Por otro lado, el humor fresco y desfachatado que lo caracterizó y le dio la fama de la que ahora goza, se ha ido disolviendo poco a poco, para dejar en su lugar una tendencia al exceso disfrazado de provocación.

La historia de un cirujano plástico (Antonio Banderas), obsesionado por la muerte de su esposa y su hija y por crear una piel capaz de resistir al fuego que mató a la primera, se convierte en manos de Almodóvar en una nueva versión del mito de Frankenstein, el científico enloquecido que acaba por volverse víctima de su propia genialidad. En el camino se narra la historia totalmente inverosímil de la relación entre el médico y su víctima, encerrada por años para servir de cobaya y después de objeto del deseo.

Lo que más le falta a La piel que habito es de lo que parecía ser una de las principales virtudes de Almodóvar: su destreza para la construcción psicológica de sus personajes y para elaborar el complejo entramado de sus motivaciones. En esta cinta el embrollo mental radica en un simple “mi hija murió y me vengaré del culpable”, para construir a partir de tal simpleza una película que por momentos llega a caer en el humor involuntario por su colección de excesos.

Con todo, la oportunidad de ver una película de un autor consagrado es más apetecible que pagar 50 pesos por ver uno de los olvidables filmes hollywoodenses que suelen acaparar las salas de cine. La máxima “la peor película de (anote aquí el nombre de cualquier gran director) es mejor que cualquier cinta de la cartelera comercial”, sigue vigente.

Enrique Delfín

Un básico del verano lo constituyen las secuelas, precuelas y similares que para lo único que sirven, por lo general, es para mal disimular la carencia de ideas originales, la cobardía de los productores para ofrecer nuevas propuestas y la flojera de un público cada vez más reacio a poner a trabajar las neuronas durante sus visitas al cine.

Pocas veces una secuela o precuela es verdaderamente justificable, no por nada el dicho “las segundas partes nunca fueron buenas”, con sus contadísimas excepciones (la más notable, tal vez, El Padrino II,  joya fílmica que según muchos críticos superó a su brillante predecesora). En el caso particular que nos ocupa hoy, el del cine de animación que esta semana estrena dos segundas partes, rige el mismo principio, también con su notable rareza: la logradísima trilogía de Toy Story, de la que contra todo pronóstico la tercera entrega fue la mejor de todas, tanto que no falta quien se refiera a ella como “la mejor tercera parte jamás filmada”.

Los estrenos en cuestión son Kung Fu Panda 2 y Cars 2. De la primera, obra de los estudios Dreamworks, no es mucho lo que puede rescatarse. En su flojísima primera entrega nos contó la historia de un panda holgazán que de la noche a la mañana lograba convertirse en un héroe de las artes marciales, siguiendo a pie juntillas la gastadísima fórmula del héroe improbable y simpaticón, si puede calificarse así a un personaje cuya voz en inglés fue prestada por el insufrible panzón Jack Black y en español por el inane Omar Chaparro. En el camino, como suele suceder cada vez que Hollywood mira más allá de las fronteras gringas (tanto geográficas como ideológicas), se presentaba a la legendaria China como un simple escenario descontextualizado y folklorizado al límite, y a la milenaria sabiduría y férrea disciplina del kung fu como un conocimiento asequible después de un par de lecciones exprés de autoayuda.

Lo cierto es que la cinta de marras pegó con tubo en taquilla y sus desvergonzados productores se dieron a la tarea de armar una aparatosísima pero vacua secuela, que no cuenta nada nuevo con respecto a la primera y utiliza una copia al carbón de la misma anécdota para ofrecer un par de horas de peleas hiperquiinéticas aderezadas con una notable producción visual, pero nada más.

Caso aparte han sido siempre las producciones de Pixar, que desde el estreno de la citada Toy Story hace 16 años se ha convertido en el paradigma de la innovación técnica e inteligencia propositiva, que satisface por igual a chicos y grandes. El único problema es que Cars 2 es la secuela de la película más floja del estudio, y contar una segunda parte sobre una cinta que no funcionó del todo no parece ser buena idea. Con todo, la secuela ya está aquí y sobresale por su magnífico espectáculo visual y entretenida narración, mucho más compleja que Kung Fu Panda 2 y con un refinado humor que deja claro que hacer cine para niños no implica hacer películas para retrasados mentales.

El pelo en la sopa es que su fondo no es, ni de lejos, lo más brillante y propositivo de Pixar, mucho menos si se le compara con la estupenda Toy Story 3 de hace un año. Por otro lado, su temática de espías está bien elaborada, pero sobre bases muy convencionales (nada que no se haya visto en cualquier cinta de James Bond), y seguramente acabará por aburrir a los más pequeños.

Enrique Delfín

Una vez más ha dado inicio el verano cinematográfico, con su pléyade de cintas palomeras que invitan a la simple y llana diversión y al cese de toda actividad neuronal. Con este precedente queda claro que estaría de más cualquier crítica con pretensiones intelectuales, así que me limitaré a hacer un recuento simple y llano de lo que ofrece la cartelera y a derramar un poco de mala leche sobre los subproductos hollywoodenses de temporada.

QUÉ PASÓ AYER 2

Uno de los grandes éxitos de taquilla (y hasta de crítica) del año pasado fue la primera parte de esta historia sobre cuatro amigotes que se van de farra a Las Vegas y se enfrentan a las consecuencias de sus desmanes durante su terrible cruda. La idea era simple, pero el humor fresco y la narrativa interesante, al partir del escenario de desastre del día después para comenzar a hilvanar la serie de risibles acontecimientos que provocaron que el cuarteto despertara en una suite con un tigre en el baño, un bebé colgado del ropero, uno de los amigos desaparecido y otro con un diente menos.

Pero un año después la consabida ambición llevó a los productores a refritear esta idea con la previsible consecuencia de una cinta inútil que ya no tiene nada nuevo que contar. El único cambio en la trama es que ahora los amigos se enfiestan en Bangkok, durante la despedida de soltero de uno de ellos, y todo lo demás es copia al carbón de la anterior, pero con la frescura convertida en vulgar chabacanería. El colmo es la mirada gringa sobre el sureste asiático, al que muestra como un retrete de la civilización, con miseria económica y moral por doquier.

X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN

Uno de los géneros más socorridos durante el verano es el de superhéroes, aunque por lo general no pasan de ser malas adaptaciones de cómics que en el papel mostraban más ambición. Claro que, como en todo, hay excepciones, como la notable serie de Batman, de Christopher Nolan, y ésta de los X-Men. Las primeras dos partes, filmadas en 2000 y 2003 por Bryan Singer, resultaron productos más que aceptables por su interesante discurso sobre la paranoia humana que suscita todo aquello que se aparta de los cánones de la “normalidad”.

Pero como suele suceder con toda historia de varias e injustificadas entregas, la tercera parte, dirigida por un menos talentoso Bratt Ratner, ya fue un mero artificio espectacular donde héroes y villanos destruían a su paso hasta la jaula del perico. No conformes con el fiasco, los productores insistieron en seguir estirando la liga y entraron en el terreno de las precuelas, primero con la olvidable X-Men Orígenes: Wolverine (2009) y ahora con esta X-Men: Primera Generación, que narra el origen del conflicto entre mutantes y seres humanos y la amistad y posterior rivalidad de sus líderes, Charles Xavier y Magneto.

La cinta en cuestión es bastante entretenida, no obstante su excesivo metraje, pero no consigue aportar nada nuevo, pues sus tesis sobre la discriminación acaban en un discurso ya demasiado manido desde la primera entrega y sin una nueva perspectiva que justifique su continuación. Por otro lado, la visión del director sobre la famosa crisis de los misiles de 1962 lo único que demuestra es que Hollywood extraña intensamente esa vieja época en la que los soviéticos eran los villanos por excelencia y materia prima para fabricar incontables filmes de contenido propagandístico.

Enrique Delfín

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos suele otorgar su muy mediático Oscar a películas complacientes, conservadoras, inofensivas e “inspiradoras”, y el estreno en Puebla de El Discurso del Rey sirve para confirmar una vez más esta teoría.

Sobre la anécdota de la incapacidad del tartamudo rey Jorge VI del Reino Unido para comunicarse con sus súbditos, el joven cineasta británico Tom Hooper realiza en este su apenas segundo largometraje una puesta en escena correcta, aunque un tanto esquemática, en la que demuestra el buen oficio para la recreación histórica aprendido durante más de una década de realizaciones de series para televisión, entre las que destaca la muy premiada John Adams. Sus imágenes resultan elegantes, sin el exagerado preciosismo tan usual en este tipo de películas, y su utilización del lenguaje cinematográfico más clásico no merma en el ritmo de lo que muestra a través de él.

También es digna de alabanza su dirección de actores, pues es capaz de sacarle jugo a las interpretaciones de actores tan probados como Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter y sobre todo el multipremiado (con justicia) Colin Firth, quien personifica con sobria intensidad al atormentado monarca. Sin embargo, los pelos en la sopa son abundantes y van mermando poco a poco, a lo largo de las más de dos horas del filme, sus innegables méritos.

En primer lugar, la estructura del argumento es totalmente predecible: la cinta inicia con un malogrado discurso del entonces apenas duque de Kent, para narrar la incansable búsqueda por parte de su consorte de alguien capaz de ponerle remedio a los problemas de lenguaje de su marido, hasta que encuentra a un nada ortodoxo especialista australiano. A partir de ahí la historia cae en la típica anécdota del alumno rebelde que tendrá que bajarse de su arrogante pedestal para aprender de su sensei valiosas lecciones de vida.

El retrato psicológico de los personajes secundarios y sus motivaciones son apenas bosquejadas, y el trazado del personaje principal -el único abordado a fondo- deviene en la también recurrente historia de terribles traumas infantiles que han de ser superados para poder triunfar. Ni qué decir de los  apuntes sobre el ambiente del poder en el que se desarrolla la historia: Hooper desperdicia la oportunidad de reflexionar sobre un periodo importantísimo de la historia de Inglaterra (la víspera de la Segunda Guerra Mundial), para acabar concluyendo que lo que verdaderamente era importante en ese momento era que el rey pudiera dirigirse a sus súbditos para inspirarlos.

Resulta interesante la subtrama de la necesidad del monarca de desprenderse de su arrogancia para poder poner en manos de un plebeyo sus más íntimos secretos y encontrar la luz al final del túnel. Pero hoy en día, cuando se discute constantemente sobre la pertinencia de conservar una monarquía meramente decorativa, mantenida de los impuestos del pueblo y envuelta en una recurrente vorágine de frivolidades y escándalos, resulta inaudito que Hooper no haya dirigido su discurso a un análisis más trascendental del papel de la familia real.

Total, que la cinta termina por convertirse en un retrato muy bonito y aleccionador sobre cómo enfrentar los problemas de la vida -por más banales que éstos sean-, y en un excelente aperitivo para preparar al público para el evento más chic del año, la boda de ensueño del príncipe William y su plebeya prometida.

Enrique Delfín

PRESUNTO CULPABLE

No es la primera vez que sucede un fenómeno similar en el cine mexicano. Se estrena una película que genera de inmediato una gran polémica por su contenido y el morbo hace el milagro de llevar al público a las salas.

La última vez que sucedió algo así fue con El crimen del padre Amaro. Ahora es el turno de este documental sin lugar a dudas interesante porque logra poner el dedo en varias de las llagas del putrefacto sistema judicial mexicano, pero que cae en un maniqueísmo que demerita su supuesta objetividad.

Los directores cobijan en demasía a su protagonista y abusan de escenas sentimentaloides para granjearle el favor del público (la novia llorosa, la boda dentro del penal, la hija nacida mientras su padre padece el encierro, la madre sufriente ante la sentencia condenatoria a su retoño…). Al final queda la indeleble impresión de que a la obra le faltó profundidad y equilibrio en la exposición de los motivos de las partes confrontadas. Y el balance vuelve a ser el mismo: un escándalo desproporcionado a los valores de la película que lo suscita. Mucho ruido y pocas nueces, pues.

EL PELEADOR

Una más de las recientes nominadas al Oscar. A pesar de girar en torno a la típica historia del boxeador en ascenso, se le agradece a su director David O. Russell un estilo realista, casi documental; su mayor interés por la tormenta del entorno familiar del protagonista que por sus victorias y derrotas en el ring y, como la cereza del pastel, su estupenda dirección de actores, entre los que destacan los multipremiados Melissa Leo y Christian Bale, además de la joven y talentosa Amy Adams y el siempre correcto Mark Whalberg. Vale la pena verla…

RANGO

Inscrita en esa tendencia de crear cintas animadas disfrutables para todo público, llega este western cuyo mayor atractivo son sus muy bizarros personajes y sus puntillosos diálogos. La historia no es la gran cosa -el héroe improbable en la búsqueda de su identidad y su destino-, pero su impecable realización, uniforme ritmo e inteligente gracia la convierten en una opción que no hay que dejar pasar.

Enrique Delfín

Darren Aronofsky, el director de las perturbadoras Pi, el orden del caos y Réquiem por un sueño, además de la muy notable El Luchador, regresa a las marquesinas con El Cisne Negro, un filme sobre el despiadado mundillo del ballet profesional. El personaje central, Nina Sayers (Natalie Portman), es una bailarina en ascenso que recibe su primer protagónico de peso en El Lago de los Cisnes, de Tchaikovsky. Pero el camino para llegar al anhelado triunfo ha tenido un precio muy alto: un martirio físico y emocional para cumplir con las duras exigencias de su profesión.

En su aún breve carrera detrás de las cámaras, Aronofsky se ha caracterizado por su interés en retratar personajes autodestructivos en caída libre: un paranoico matemático en Pi, cuatro drogadictos sin remedio en Réquiem por un Sueño, un gladiador del pancracio agotado física y emocionalmente en El luchador… Y tiene un estilo bien definido para capturar vidas al borde del abismo: imágenes claustrofóbicas, montajes hiperquinéticos, ambientes desolados y una firme dirección de actores, este último su sello más elogiable, pues le ha ayudado a tres de sus protagónicos a ser nominados al Oscar: primero Ellen Burstyn, luego el resucitado Mickey Rourke y ahora la Portman, que parte como gran favorita en la entrega del Oscar del próximo domingo.

A pesar de que cuenta inquietudes temáticas y un estilo formal bien definidos, este joven director aún tiene mucho que aprender, ya que sus carencias se revelan nuevamente en El Cisne Negro: su retrato de la atormentada prima ballerina no deja de ser interesante, pero su forma de abordarlo está lejos de ser original (antes de él, David Lynch y David Cronenberg, por poner sólo un par de ejemplos, exploraron con mayor frescura y oficio los tenebrosos pantanos de una mente perturbada), además de que vuelve a caer en el efectismo obvio de Requiem por un Sueño, en la que un dinámico montaje no pudo disimular las carencias narrativas de un guión simplista y aleccionador.

El personaje de Nina Sayers y la brillante personificación de Natalie Portman no tienen desperdicio, pero lo que se narra es extremadamente simple y hasta predecible (la obvia metáfora de la dualidad sobre el personaje central de El Lago de los Cisnes deja muy poco espacio a la imaginación), y los roles secundarios de la madre sanguijuela, el director del ballet, la compañera seductora y la prima ballerina decadente y caída en desgracia tienen un trazo esquemático y de escasa profundidad, a pesar del notable esfuerzo de Barbara Hershey, Vincent Cassel, Mila Kunis y Winona Ryder, respectivamente, para sacarle provecho a unos papeles desdibujados.

El Cisne Negro ha tenido una estupenda recepción por parte del público, y no resulta extraño, pues detrás de su pinta de “cine de arte” ofrece una propuesta digerible (si no es que ya digerida), poco sustanciosa y con demasiadas pretensiones. Lástima que Aronofsky no pudo repetir lo conseguido en El Luchador: más sencillez y más honestidad, y con ello una mayor trascendencia.

Enrique Delfín

Para cerrar con esta serie de análisis predictivos sobre la próxima entrega de los Óscares, tres apuntes:

Hace un par de semanas, en el texto correspondiente a la categoría de mejor película, hablé de que Red Social iba en caballo de hacienda rumbo al triunfo, por su unámine reconocimiento como tal por parte de las diez asociaciones de críticos más importantes de los Estados Unidos, amén de su Globo de Oro a la mejor película de drama. Pero en los últimos días, y ya en plena recta final de la carrera, El Discurso del Rey está cerrando muy fuerte. Tres gremios (productores, directores y actores) la han considerado la mejor cinta del año, y si se toma en cuenta que los miembros de estas asociaciones votan nuevamente en los Óscares, estamos ante un escenario cerradísimo entre ambos filmes. Parece que lo de caballo que alcanza, gana, está por cumplirse una vez más.

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA. México ha vuelto a ser noticia. Después de sus siete infructuosas nominaciones previas (tan sólo en la última década compitió tres veces, con Amores Perros, El Crimen del Padre Amaro y El Laberinto del Fauno), vuelve a estar en liza, esta vez con Biutiful, que de mexicana sólo tiene a su guionista/director, Alejandro González Iñárritu, pues todo lo demás es más español que unas tapas. ¿Cuáles son las posibilidades de El Negro, en su segunda nominación después de la citada Amores Perros? En materia de premiaciones previas no le ha ido muy bien: ha sido postulada a cuanto premio importante hay (BAFTA, Goya…), aunque sólo ganó el reconocimiento de dos asociaciones de críticos (Phoenix y Washington). Fue seleccionada para competir en el prestigiado Festival de Cannes, pero sólo ganó el premio al mejor actor (Javier Bardem, también nominado al Óscar) y, en general, fue recibida con frialdad por la crítica, que la consideró muy menor a las anteriores cintas de Iñárritu. A favor tiene que el director mexicano es un maestro del marketing de alfombra roja, y anda muy movido promocionando su filme por todos lados, lo que siempre atrae votos; por otro lado, y a diferencia de otros años, México no enfrenta a una competencia realmente fuerte: ninguna de las otras nominadas de Grecia, Argelia, Canadá y Dinamarca ganó en grandes festivales (sólo la griega obtuvo un premio menor en Cannes); sin embargo, la cinta danesa tiene un elemento de peso: está dirigida por Susanne Bier, cineasta bien cimentada no sólo en su país, sino en el mismo Estados Unidos. y que también ya ha sido considerada previamente en esta categoría. Yo no apostaría por Iñárritu…

MEJOR PELÍCULA ANIMADA. Este es uno de los Óscares que ya prácticamente están dados: Toy Story 3, a la que ya muchos consideran “la mejor tercera parte jamás filmada”, se ha llevado TODOS los premios previos y es infinitamente superior a sus rivales. Una maravilla más de Pixar, la gran revolucionaria no sólo de la técnica de la animación, sino de sus contenidos.

Enrique Delfín

MEJOR ACTOR

El favorito: COLIN FIRTH (El Discurso del Rey).

Firth es un actor británico que ha brillado intensamente en los últimos años con una serie de papeles cuidadosamente elegidos y aún mejor ejecutados. La cúspide la ha alcanzado con su elogiadísima y multipremiada caracterización del tartamudo rey Jorge VI, que lo ha colocado como un clarísimo favorito al que prácticamente nadie le ha hecho sombra en las premiaciones de la temporada.

El rival más cercano: JESSE EISENBERG (Red Social).

Su personificación de Mark Zuckerberg, el genio casi autista que creó Facebook, le ha dado al joven Eisenberg el reconocimiento que había estado buscando desde hace años, a través de su participación en pequeñas cintas independientes, aunque -hay que decirlo- siempre encasillado en el rol de nerd. Ha ganado varios premios esta temporada, pero parece poco probable que la Academia le de uno de sus más preciados galardones a un muchacho al que todavía le falta picar mucha piedra.

Sin posibilidades: JAMES FRANCO (127 Horas), JAVIER BARDEM (Biutiful) y JEFF BRIDGES (Temple de Acero).

Tres estupendas actuaciones, pero sin chances de alzarse con el premio. Bardem y Bridges ganaron un Oscar recientemente, y ya se sabe que la Academia evita repetir a menos que se trate de papeles soberbios o personalidades fulgurantes, lo cual no es el caso aquí. Franco adolece de las mismas trabas que Eisenberg: es muy joven y antes de aspirar a un Oscar tiene que demostrar que su buen nivel actoral no es cosa de una o dos películas.

MEJOR ACTRIZ

La favorita: NATALIE PORTMAN (El Cisne Negro).

Sus posibilidades radican en su intensa caracterización de una bailarina que se tortura física y emocionalmente para alcanzar la perfección, y en el enorme aprecio del que goza esta joven actriz entre la comunidad hollywoodense. Dueña de una sólida carrera en permanente ascenso, la Portman ha recolectado muchos premios por este papel, entre ellos el Globo de Oro a la mejor actriz de drama, y todo parece indicar que el Oscar será la cereza del pastel.

La rival más cercana: ANNETTE BENING (The Kids Are All Right).

La Bening es otra de las personalidades más adoradas en el mundillo hollywoodense, gracias a su brillante carrera y a su matrimonio con otro ícono de la meca del cine, Warren Beatty. A pesar de que la Portman le ha arrebatado prácticamente todos los premios esta temporada, mantiene las esperanzas de alzarse con el Oscar gracias a tres nominaciones previas, pero infructuosas, y ya se sabe la tendencia de la Academia a reparar agravios pasados. Su Globo de Oro a la mejor actriz de comedia por su brillante y carismático papel de una madre de familia lesbiana es otra de sus bazas.

Sin posibilidades: NICOLE KIDMAN (Rabbit Hole), MICHELLE WILLIAMS (Blue Valentine) y JENNIFER LAWRENCE (Winter’s Bone).

Este fue un año de grandes actuaciones femeninas, y el lugar de estas tres actrices en la terna está ganado a pulso. Pero los críticos, y seguramente la Academia, ya escogieron a sus favoritas y ninguna de ellas lo es. Así de simple. Si no estuvieran la Portman o la Bening tendrían chances, pero para su desgracia no es esa la realidad.

PRÓXIMA ENTREGA: MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA y PELÍCULA ANIMADA (2 de febrero)

Enrique Delfín

Ésta es la segunda categoría en importancia en la noche de los Óscares. De hecho, en la gran mayoría de las 82 entregas de los premios de la Academia la cinta que ha ganado el Óscar a la Mejor Dirección también ha sido reconocida como la Mejor Película. Pero las excepciones se han dado algunas veces.

¿Favoritos? Sólo hay uno, y es prácticamente imposible que haya sorpresas. En la anterior entrega hablamos de que Red Social tiene una notable ventaja con respecto a sus nueve competidoras en el renglón de la Mejor Película. El Discurso del Rey pudiera -aunque es altamente improbable- alzarse con este premio, pero de ser así la Academia compensaría a Red Social premiando a su director, David Fincher (en la foto).

Ya ha sucedido así algunas veces, la última en el 2006. Brokeback Mountain (Secreto en la Montaña) llegó a la ceremonia como la gran favorita, pero la muy conservadora Academia se negó a otorgarle su máximo galardón a esta cinta de temática homosexual y, contra todo pronóstico, reconoció como mejor película a la olvidable Crash: Alto Impacto. Como compensación ante el escandaloso desaire, le dió a Ang Lee, el realizador de Brokeback Mountain, el Óscar al Mejor Director. Así funciona Hollywood.

En resumen: David Fincher puede ir haciendo un espacio en sus vitrinas, porque es un hecho que el Óscar ya está en su mano.

PRÓXIMA ENTREGA: MEJOR ACTOR Y ACTRIZ (29 de enero)